• ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: театр (список заголовков)
19:32 

Древний Рим под звуки техно

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
6 декабря в лондонском театре DONMAR впервые показали шекспировского «Кориолана» - пьесу не самую известную в широких кругах. После семидесятого спектакля сезон закрыли, но теперь «Кориолан» шествует по России – его показывают в кинотеатрах в рамках программы «National Theatre Live».
«Трагедия о Кориолане» (это полное название пьесы) – история о великолепном древнеримском воине по имени Кай Марций, за свой подвиг в городе вольсков – Кориолах – получившем третье имя – Кориолан. Он – прирождённый солдат, военная машина, но никудышный политик, имеющий весьма невысокое мнение о народе. Когда Кориолан в очередной раз не сдерживается и проявляет высокомерие, римляне изгоняют своего героя, и единственное его пристанище – у бывших врагов, вольсков.
Пьеса полна самых разных конфликтов – между сыном и матерью, между человеком и обществом, между двумя врагами, уважающими друг друга… «Кориолан» - динамичное произведение, здесь нет возвышенных монологов, свойственных другим трагедиям Шекспира, а потому режиссёрский ход смотрится весьма органично.

Донмарский «Кориолан» придерживается минимализма. Сцена театра (к слову, раньше это был склад бананов) невелика, а из декораций – только стулья да лестница. Актёры (их всего 14) одеты отнюдь не в древнеримскую одежду и большую часть времени проводят на сцене, даже если не участвуют в происходящем – они сидят в тени на тех самых стульях. Часть актёров исполняет роль толпы – как у римлян, так и у вольсков. Стулья периодически используются как декорации, а лестница олицетворяет ворота в Кориолы.
читать дальше

@темы: театр, отзыворецензии, многобуквие, Капитан Британия

18:01 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Отсюда

Я безмерно благодарна Дэвиду и Грегори Дорану за Гамлета. Они открыли для меня эту пьесу, этого персонажа. Нет, с Гамлетом я была знакома и прежде – восхищённо засматривалась на Смоктуновского в этой роли, видела несколько других экранизаций и театральную постановку, однако произведение это всё равно оставалось для меня красивой, но очень возвышенной пьесой. Дэвид же сыграл Гамлета так, что никакие анализы, трактовки и примечания не понадобились. Он был невероятно органичен и естественен в этой роли, максимально приблизил героя к зрителю. Никогда мне не доводилось слышать, чтобы монолог «Быть или не быть» читали ТАК проникновенно и правдиво, заставляя вслушиваться в каждое мелодичное слово. И никогда ещё не хотелось, чтобы исход пьесы изменили, потому что этого запутавшегося мальчишку (вот ещё одна необычайная черта дорановского «Гамлета» – Дэвид в спектакле никак не тянет на 37 лет) было невероятно жаль, хотелось остановить его, крикнуть: «Не соглашайся!»...
А «Гамлет» открыл для меня другого Дэвида – актёра, который поразительно мастерски владеет телом, голосом, мимикой и взглядом. Он сражает своим многообразием игры, но всё это актёрство всегда на своём месте, что поражает ещё больше – правдивостью, которая заставляет дрожать мышцы, сидеть в благоговейном восхищении, надеясь отсрочить неумолимый конец. Для меня кульминация – сцена с матерью, до и после убийства Полония, когда ты сидишь в неописуемо сильном напряжении и просто заворожённо смотришь на экран.
Этот спектакль эмоционально опустошает, но я готова пересматривать его раз за разом, не жалея трёх потраченных часов. Потому что потрачены они были и будут на одну из лучших вещей, что мне довелось видеть.

@темы: главный гик Шотландии, отзыворецензии, театр

13:52 

Спектакль «Боевой конь»

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Мы наконец-то перевели субтитры к «Боевому коню»

Начнём с банального. Спектакль показывают почти 10 лет. Ставят и ставили его не только в Лондоне, в Национальном театре, но и в Канаде, США, Германии, Голландии, Японии, Китае, Австралии и Южной Африке. Где-то «Боевой конь» был только на гастролях, а где-то обосновался крепко, с отдельной труппой (как, например, в Голландии, где спектакль идёт на ура). Видели постановку миллионы и миллионы человек (пять миллионов точно), а среди поклонников — королева Елизавета II (Джоуи даже был на её юбилее в 2013 году), Дэвид Бекхэм, Иэн МакКеллен, Кира Найтли, Бенедикт Камбербэтч, Том Хиддлстон, Хелен Миррен, Кейт Бланшетт, Нил Патрик Харрис, Гэри Барлоу, Джон Хёрт, Динамо, Стивен Фрай, Стивен Спилберг и многие-многие другие.

В России, конечно же, всё иначе. Кто-то где-то что-то слышал. Мельком упомянули в статье о фильме Спилберга — и всё. Но именно на эту статью я и наткнулась 22 января 2012 года. И понеслось. Когда впервые увидела трейлер, а затем прогулку Джоуи по Лондону (театр устраивает такие прогулки регулярно и даже даёт возможность наблюдать за ними онлайн), не сразу поняла, в чём дело и как эта, безусловно, кукольная лошадь движется, как живая. Как конник с почти пожизненным стажем, могу уверить, Джоуи вёл себя очень по-лошадиному. Всё моё внимание поглотили движения этого коня, его повадки, и я сначала даже не заметила кукловодов. Теперь, конечно, спустя три года копания во всевозможной информации об этом спектакле, я понимаю, как всё работает.

А работает всё крайне слаженно. При первом просмотре тебя просто втягивает в эту постановку. Позже, при пересмотре, начинаешь осознавать, насколько чётко всё проработано. Плуг поставят именно сюда и никуда больше, потому что затем сцена повернётся, и плуг должен стоять уже на другом месте, чтобы укрыть девочку. Свет должен концентрироваться на центре сцены, чтобы там, в глубине мог спрятаться конь или даже танк. Но главное, конечно, — работа кукловодов. Наверное, у них жутко болят спины после каждого спектакля. Но то, что они делают, невероятно. С их помощью лошади фыркают, ржут, храпят, кричат и, конечно же, дышат. Если присмотреться, можно заметить, как жуёт коновод, когда по сценарию жуёт его конь.

Вообще, к этому спектаклю интересно присматриваться, и, пожалуй, в этом минус записи для кинотеатров — многое остаётся за кадром. Например, помимо Джоуи с Топторном, в постановке участвуют и другие куклы — птицы, замечательный гусь (которому аплодировали не меньше живых актёров), лошади «в массовке» (некоторые из которых почему-то без ног) и даже танк. А если приглядеться получше, то можно заметить как минимум в двух сценах и марионеток-людей. Это те самые раненые солдаты, что идут, опираясь на своих товарищей. Присмотритесь получше в последней сцене в госпитале.

Главные актёры в этом спектакле, разумеется, Джоуи с Топторном (или их кукловоды?). Но пусть немец Фридрих слишком драматично изображает своё горе, а маленькая Эмили чересчур криклива, актёры-люди всё равно играют хорошо. К ним как-то очень быстро проникаешься — и к влюблённому Дэвиду, и к забавно-грубоватому сержанту, и к офицерам... Семья Нарракоттов в спектакле мне понравилась куда больше, чем в фильме (к слову, фильм по многим параметрам проигрывает спектаклю).

С минимумом декораций «Боевой конь», тем не менее, запросто перемещает зрителя из солнечного Девона (свет в девонширских сценах тёплый и мягкий, навевающий ассоциации с лугом) в самое пекло Первой Мировой (военные сцены освещены холодным, сине-серым цветом, лишь отчасти рассеивающим темноту). Отличное решение — экран в форме оторванного листа бумаги, на котором то скачет лошадь, то предстаёт панорама городка, то взрываются снаряды, то бушует море. Ещё один бонус для любителей мелочей — на этом экране то и дело появляются даты, и можно догадаться, на какую именно битву попадут герои.

Звуки в спектакле — не только взрывы, щебет птиц или скрежет танков. Это также и музыка — то умиротворяюще-спокойная, то по-военному тяжёлая. А ещё — песни. Чудесные девонширские мотивы в обработке Эдриана Саттона. Печально-поэтичные, рассказывающие о жизни пахарей-томми на войне под аккомпанемент скрипки и аккордеона. Без них «Боевой конь» был бы другим. И, нет, пение между сценами совсем не мешает, оно всегда к месту. Как луч света в тёмном царстве, помогает «отойти» от всего этого военного хаоса.

В спектакле «Боевой конь» нет дюжины знаменитых актёров, его поставил не столь знаменитый режиссёр, но у него масса достоинств, и одно из главнейших — удивительно реалистичные куклы. Правда, о том, что это — всего лишь марионетки, вы позабудете очень и очень скоро.

@музыка: Adrian Sutton — Only Remembered

@темы: Боевой конь, многобуквие, театр

09:37 

ААААА

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят

Посмотрите на крайнюю справа даму. Какие волосы, какая фигура... ЭТО БЕРТИ КАРВЕЛ. Он играет Пенфея в «Вакханках», а еще его мать, и вот это она. За что, мироздание?

@темы: Человек-маффин, театр

10:30 

Камбергамлет

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Warning! Не люблю якать, но тут и правда очень много меня. Всё крайне субъективно.

Иногда благодаря пиратским торрентам можно посмотреть спектакли, которые по какой-либо причине упустил (так было, например, с «Аудиенцией»). Иногда благодаря пиратским торрентам можно понять, что тысячу (или даже больше) рублей лучше сберечь на что-нибудь более стоящее. Так оказалось с новым «Гамлетом» с Камбербэтчем в главной роли. Признаюсь сразу: к Бенедикту я отношусь неоднозначно — он, бесспорно, хороший актёр, но я не понимаю, отчего толпы людей боготворят его ТАК сильно. Теперь я вдобавок не понимаю, как можно назвать его Гамлета самым лучшим/гениальным/далее по списку. Итак, сперва о самом принце датском.

Я не увидела ничего нового в этой трактовке, как, в общем-то, не увидела какой-либо отличительной черты именно этого Гамлета. Я не хочу сравнивать интерпретацию Камбербэтча и Теннанта, но в принце Бенедикта можно увидеть и что-то от Дэвида, и от многих других Гамлетов (с постановкой Дорана я сравниваю просто потому, что и она тоже перенесена в наше время, так что было понятно, что стороной её не обойдут). Камбербэтч-Гамлет временами кривляется, тужится, ходит с постоянно мокрыми глазами, срывается на истерики и то и дело шагает по столу. Дали весьма жирный намёк на подростковость принца, но, господа, не всем в почти сорок лет удаётся изобразить потерянного тинейджера. Собственно, очень показательно начало сцены, в которой должны появиться Розенкранц и Гильденстерн, — заигравшийся великовозрастный принц в окружении деревянных солдат. Безумия — ни наигранного, ни реального — я не увидела. Например, весьма неплохой (по сравнению с остальными) получилась сцена разговора Гамлета с Офелией, за которой подсматривали король с Полонием. Вот только после тирады принца Офелия говорит: «Великий ум погиб». По идее, тут мы должны увидеть какое-никакое безумие (тут уже зависит от трактовки). Однако Гамлет просто очень громко и напряжённо выдал текст — и всё. Гибелью великого ума и не пахнет. Бенедикт явно старается, временами у него выходят интересные (секундные) моменты, он неплохо так кривляется (жутко напоминая Шерлока), но такое ощущение, что он насмотрелся на других Гамлетов и теперь старается показать всех их. А ещё — очень боится позабыть текст, поэтому в основном просто быстро выдаёт предложение за предложением, и в итоге в слова не успевает вдуматься ни он, ни зритель.

Другие актёры... Они есть, но о них и сказать-то особо нечего. Клавдий то и дело строит страшные лица и, в общем-то, немного раздражает, хотя не уверена, что актёр этого добивался. Полоний никакой. Ни комизма, ни чего бы то ни было ещё. В случае с Офелией хотя бы видны перемены (которые у Гамлета только наметились едва заметными штрихами), а вот Гертруда... см. отзыв о Полонии. В её слёзы не верилось ни разу. О существовании Горацио я почему-то и вовсе временами забывала, но он запоминается благодаря постоянному рюкзаку (и что он там носит, интересно?) и странной манере игры (честно, немного аутиста напоминает). Друга Горацио я тоже не увидела — так, ещё один знакомый в огромном замке. И про этих персонажей я ещё могу что-то сказать. Про остальных — ничего.

Постановке катастрофически не хватает напряжённых моментов. То есть, режиссёр и актёры явно понимают, что они должны быть, и даже знают, где именно, потому они кричат или, наоборот, начинают почти шептать, жестикулировать, дёргаться, но, нет, ни намёка на какое-нибудь напряжение. Появление призрака? Он просто входит (и, кстати, несмотря на портрет, на который указывал Гамлет, в призраке нет ни капли Марса, Гермеса или Аполлона), и опять непонятна реакция других героев — на этот раз испуг принца и его товарищей. Сцена с молящимся Клавдием? Ни капли. Мышеловка? Мимо, совсем. Разговор Гамлета с матерью (простите, но я не удержусь — это была одна из лучших сцен в версии Дорана, Теннант так сыграл, что я просто вжималась в стул, не в силах шелохнуться)? Ни разу.

Но, ладно, не всё так жутко. Я не могу назвать ни одного хоть немного понравившегося момента — либо сыграно слабо, либо я это уже где-то видела (или и то, и другое). Зато мне пришлась по душе сцена — она огромная, со множеством хороших и интересных декораций (я люблю всякие детали, ничего не могу поделать). Визуально-техническая часть просто грандиозна. Если бы я сидела в зале, точно бы зависла на изучении именно сцены (хотя не уверена, что её отовсюду хорошо видно). Возможно, если бы было больше общих планов, я бы впечатлилась хотя бы тем, как всё устроено. Плюс отличная работа со светом — сцена запросто превращалась то в пышные покои, то в какую-нибудь пустошь — и музыка. Она динамичная, весьма мощная, но вялости самого спектакля никак не помогает. И, конечно, костюмы. Хотя у Гамлета костюмов слишком много (я вот не поняла, зачем были некоторые из них — особенно красный мундир; к слову, вход в этом самом мундире и с барабаном просто нелеп), но на них было приятно посмотреть. И ещё — кажется, что режиссёру очень хотелось поставить спектакль в декорациях XX века — некоторые костюмы больше бы подошли постановке, в которой действие перенесено в конец XIX-начало XX века (с аллюзиями на мировые войны, например). Или это был намёк на «вневременность» Гамлета? Если так, то замысел не удался (кстати, в «Кориолане» этот приём смотрелся весьма неплохо).

Раз уж заговорили про режиссёрские замыслы... Не то чтобы их было много (а были ли они вообще?), но про один приём не могу не сказать. А именно — замедленное движение. Подобный финт (правда, в разных местах, не совмещая) проделывали в «Боевом коне» — акцентировали свет на ком-то одном, при этом остальная сцена тонула во тьме, а актёры замирали, и в стиле слоумо показывали прыжок лошади. И если игра света мне нравится, то этот замедленный полёт раздражал (пожалуй, единственное, что не понравилось в любимейшем спектакле). В «Гамлете», опять же, акценты со светом удачные, но их совместили с этим самым слоумо, и я вообще не понимаю, зачем его использовать в театре, а в этой постановке — особенно. Замедленная сцена убийства Лаэрта и вовсе смехотворна — помимо слоумо ещё и остальные актёры начали вытворять какие-то нелепые телодвижения, которые были бы уместнее в мюзикле. К тому же, приём с замедлением используется на монологах, которые Гамлет, по идее, должен произносить в одиночестве. Понимаю, на такой огромной сцене одинокая фигура просто теряется, но возникло впечатление, что то ли Бенедикт боится оставаться один, то ли режиссёру это не понравилось. И в итоге монологи воспринимаются совсем иначе, и это опять идёт в минус. Ах да, слишком уж часто актёры стояли/сидели/лежали спиной к зрителю — тоже не самый лучший ход (в киноверсии он смотрелся не так плохо — камера всё равно могла выхватить нужный ракурс). К боязни оставлять актёра в одиночестве на сцене прибавился, видимо, страх нарушить личное пространство — чаще всего персонажи стоят в отдалении друг от друга, даже если подразумевается напряжённый диалог. В итоге они опять кричат, чересчур театрально напрягаются и постоянно тянут руки друг к другу, несчастные.

Но вообще, как бы мне ни нравилась сцена, очень уж попахивает... не голливудщиной, но чем-то таким, намекающим на зрелищность. То есть, без очень и очень многих ходов можно было спокойно обойтись. Особенно — без непонятного залпа в конце первого акта. К чему это было? Зачем? Просто показать крутое устройство? Хотя, нет, именно этот залп обеспечил «землю», покрывавшую сцену весь второй акт. Но неужели этого нельзя было сделать без помпезности? И ещё вопрос, нужна ли была эта земля — она явно мешала многим персонажам.

Получилось... нечто. Вялое, но при этом с очень торопливым прогоном всех сцен. Зрелищное, с громкой музыкой, кучей костюмов и декораций, но, нет, эта постановка не открыла бы для меня «Гамлета», не подала ни единую новую мысль. Она очень проста и, пожалуй, хорошо бы смотрелась на Бродвее. Я ожидала другого от спектакля, о котором целый год трубили из всех щелей. Остаётся только вопрос — а был ли Гамлет? Назваться-то им легко, а вот сыграть...
запись создана: 20.10.2015 в 20:20

@темы: театр, отзыворецензии, многобуквие

20:00 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Здравствуй, тоска по «Вакханкам», давно не виделись. Сорок секунд, а меня унесло куда-то вдаль. Трудно жить на свете всем фанатам Берти...

@темы: Человек-маффин, театр

16:57 

Дело Лео Франка и мюзикл «Парад». Часть четвёртая и заключительная.

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят


«Парад» — невероятно красивая и сильная вещь, и мне очень жаль, что о нем знает катастрофически мало людей. Он разительно отличается от других мюзиклов не только выбранной темой, но и композициями: на самом деле, «мюзикловых» песен здесь очень мало, да и введены они с определёнными целями. Вообще, в «Параде» очень разнообразная музыка — от блюза и регтайма до гимна и религиозного пения. И это прекрасно.
Сейчас «Парад» ставят достаточно часто, но в основном в полупрофессиональных или местных, небольших театрах. Потому здесь я рассмотрю три основные постановки — оригинальную бродвейскую, лондонскую и лос-анджелесскую. Сразу скажу — лично мне нравится лондонская версия, но постараюсь говорить без фанатизма, хотя от субъективности никуда не деться.

Оба автора «Парада», сценарист Альфред Ури и композитор Джейсон Роберт Браун, — евреи, а Ури и вовсе родом из Атланты. Его семья была близка к Франкам: брат деда являлся со-владельцем карандашной фабрики, бабушка была подругой Люсиль, кузины Ури свидетельствовали на стороне защиты. При этом в семье старались не упоминать Лео, а если о нём заговаривали, некоторые даже выходили из комнаты. Это удивляло Альфреда, так как он знал о связях с Франками, поэтому решил подробнее узнать об убийстве Мэри Фэган и суде. Так и появилась идея о мюзикле.

Изначально планировали привлечь знаменитого Стивена Сондхейма, однако через несколько месяцев он отказался, и тогда режиссёр Хэл Принц предложил неизвестного в то время Джейсона Роберта Брауна. Джейсон охотно принял предложение, хотя стартовал не слишком удачно. Работа над мюзиклом началась во второй половине 1994 года, и Браун хотя бы раз в неделю приходил к Альфреду Ури и записывая всё, что он говорил — о жизни на Юге, о том, что значит для южан поражение в Гражданской войне, и какой была их жизнь до этой войны. В марте следующего года Браун сыграл Ури и Принцу первую песню, которая крайне впечатлила драматурга.
«Парад» впервые открылся 17 декабря 1998 года с Брентом Карвером и Кэроли Кармелло в главных ролях. Несмотря на большей частью положительные отзывы критиков, две премии Тони (Лучший сценарий и Лучшая партитура) и шесть Drama Desk, мюзикл продержался на сцене недолго — всего до 28 февраля следующего года, судя по всему, из-за финансовых проблем. Этой версии повезло больше всего — имеется и почти полная запись одного из представлений, и номер с премии Тони, и официальная аудиозапись всех песен, но без диалогов (коих в мюзикле не так уж и много).

Несколько лет новые постановки мелькали то тут, то там, но лишь в конце 2007 года о «Параде» вновь заговорили громко и активно. Читать дальше

@темы: театр, отзыворецензии, мюзиклы, многобуквие, меня опять занесло в историю, Человек-маффин

00:44 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Я снова с «Боевым конём». Почти спустя год после того, как мы перевели субтитры к спектаклю, перевод наконец-то добрался до рутрекера. Все желающие могут скачать вот здесь. Спектакль замечательный, я о нём уже писала, весьма сумбурно, но 12 марта — последний показ в Лондоне, и я планирую написать ещё одну оду. Вот. Буду рада, если кто-нибудь ещё скачает и посмотрит.

@темы: театр, переводы, Боевой конь

09:05 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Лучшая вишенка на прекрасном торте Shakespeare Live


@темы: театр, главный гик Шотландии

17:46 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Кстати, ещё про Берти и субтитры — мы уже достаточно давно сделали сабы к отрывкам из «Жизни Галилея» Брехта, но вдруг тут кому-нибудь будет интересно. Спектакль Национального театра, 2006 год. Саймон Расселл Бил сыграл Галилея, а Берти — Людовико, по сути, его соперника, если можно так выразиться. Видео десять лет лежали на сайте, связанном с Национальным театром, и качество, увы, ооочень низкое. Но я всё равно рада, что выложили именно эту сцену — она, как мне кажется, самая яркая в пьесе. Ну, и на юного Берти (ему тут нет и тридцати), спорящего с Саймоном, всегда любопытно взглянуть.

смотреть дальше

Кроме записи непосредственно спектакля есть ещё запись репетиций. Тут я сделала субтитры не ко всем видео, но переведённые отрывки лежат здесь, а вообще все ролики на английском, без субтитров — здесь (там Берти рассуждает о Брехте и обсуждает с режиссёром своего героя). Видео с репетиций интересны тем, что кое-какие моменты на записи спектакля не видны из-за крупных планов, ну, и просто можно увидеть мелкие изменения в репетиционной и итоговой версиях

@темы: переводы, Человек-маффин, театр

11:37 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Перевод «Воскресенья в парке с Джорджем» наконец-то готов! Стивен Сондхайм, Джулиан Овенден, «Воскрсеный день на острове Гранд-Жатт» — отличное сочетание для мюзикла. Заодно выставлю сюда отзыв о нём
Скачать: видеофайл, субтитры

Удивительно (и грустно), сколько хороших мюзиклов — красивых, с интересными идеями — остаются малоизвестными. Про «Парад» Джейсона Роберта Брауна я уже говорила. Пришёл черёд «Воскресенья в парке с Джорджем». Это — ещё одно детище знаменитого Стивена Сондхайма, которое, впрочем, затмили его более известные творения. А жаль, потому что мюзикл оказался красивым (слишком часто я употребляю это слово, когда говорю о любимых мюзиклах, но, с другой стороны, по сути, они и должны быть таковыми, верно?) интеллектуальным и вдохновляющим. Вдохновляет не только сюжет или музыка (одна песня «Move On» чего стоит), но и история создания «Воскресенья». После провала мюзикла «Мы едем, едем, едем» (он закрылся после 16 показов), Сондхайм едва не ушёл из музыкального театра. На какое-то время он и правда исчез, а вернулся с «Воскресеньем в парке с Джорджем», получившим десять премий Drama Desk, семь Оливье и две Тони, а также Пулитцеровскую премию.

В 2013 году французский театр Chatelet показал обновлённую версию мюзикла — более мелодичную (на мой взгляд) и с дополненной оркестровкой, что определённо сделало «Воскресенье» в несколько раз лучше. Главные роли в нём исполнили Джулиан Овенден и Софи Луиз Данн.

Сюжет, в общем-то, незамысловат. Живёт в Париже 1880-х художник Джордж (точнее, Жорж) и пишет картину. Пишет уже два года и необычным способом. Как и положено художнику, он одержим работой — так сильно, что не замечает, как теряет любимую и любящую женщину. Это первый акт. Герой второго акта — тоже Джордж, но живёт он уже в Америке 1980-х. Он — правнук того, первого Джорджа, хоть и не верит в это, и тоже художник. Ну, как художник... Творец или изобретатель, скорее. Он зациклился на одних и тех же хромолюмах, световых машинах (небольшая отсылка к заковыристому слову «хромолюминаризм», которым прототип первого Джорджа называл свой стиль) — мы как раз оказываемся на презентации седьмого его изобретения. Он пытается угодить всем подряд, чтобы попасть... то есть, чтобы его творения попали на выставку. Не то чтобы он был в восторге от всего этого, но выпутаться из такого круговорота непросто. В какой-то степени этот мюзикл о том, как один своё счастье теряет, а другой находит.

Но только в «какой-то». Второй акт всё же уступает первому, который великолепен по своей задумке (и в музыкальном плане тоже). Однако здесь стоит сказать несколько слов о прототипе.

Дело в том, что Джордж работает над картиной, которая существует на самом деле, и называется она «Воскресный день на острове Гранд-Жатт». А написал её Жорж Пьер Сёра — неоимпрессионист и отец пуантилизма. Если совсем кратко, то суть этой техники заключается в том, что на холст наносятся тысячи и тысячи точек нескольких цветов (отсюда и название пуантилизм; point — точка). Этих цветов всего несколько, но при взгляде на картину нам кажется, что она полна всевозможных оттенков (разделение (deviser) цвета всё же главенствует над точкой, потому чаще это направление называют дивизионизмом). Жорж действительно писал «Воскресный день» два года, это и правда получилось огромное полотно, а работы Сёра не принимало и не понимало большинство. И он правда был буквально одержим светом и цветом. Историческая основа почти не изменена, однако, как и в случае с «Парадом», основная линия в «Воскресенье в парке с Джорджем» — выдумка. Впрочем, выдумка эта едва ли вызовет недовольство тех, кто знаком с биографией Сёра (в отличие, например, от книги Ирвинга Стоуна «Жажда жизни», в которой в небольшом абзаце уместилось ошибок пять-семь). Кроме того, в мюзикле достаточно много небольших отсылок к этой самой биографии, которые греют мне сердце (например, повторяющаяся дважды фраза: «Я пытаюсь создать нечто новое, своё собственное» — почти точная цитата Сёра).

А теперь начинается то, что мне особенно понравилось.

Картин, на которых запечатлена группа людей, множество. Но как часто мы задумываемся, кто все эти люди? кем они были? знал ли их художник? И как часто мы получаем ответы на эти вопросы? «Воскресенье» во многом посвящено именно этому. Мюзикл в той или иной мере рассказывает про основных «обитателей» картины Сёра, а самого художника делает хоть и невидимым, но главным её героем. Задумка «Воскресенья» была такой с самого начала. Сондхайм и его соавтор Джеймс Лепайн заметили интересную деталь: персонажи картины не смотрят друг на друга. И Лепайн заключил, что здесь недостаёт самого главного персонажа, который знает всех остальных и глазами которого мы и видим воскресный день — художника.

Почти для всех, кого Джордж запечатлел на своём полотне, он — странный художник без имени. Он и впрямь нелюдим и не просто погружён в творчество — по его же словам, Джордж живёт в картине. К слову, в постановке Chatelet действительно создаётся такое впечатление, когда Джордж работает в студии: картина проецируется не только на холст перед художником, но и на стену позади него. Джордж знает всех своих героев, слышит каждое их слово, даже разговор двух собак. Молчаливый и сосредоточенный в парке за работой, в студии он заговаривает с нарисованными фигурами, забрасывает их вопросами и непрестанно твердит: «Порядок. Замысел. Контраст. Композиция. Баланс. Свет. Гармония». После этих слов Джордж из 1880-х «расставит» своих героев так, как задумывал. После этих слов Джордж из 1980-х найдёт свой творческий путь. И это, наверное, две самые мощные сцены, которые вызывают если не слёзы, то какой-то благоговейный восторг, заставляющий сердце то замирать, то биться чаще, уж точно. Оркестровка здесь невероятно красивая, лично мне на ум сразу приходит фраза «торжество музыки».

Хотя мюзикл и пытается охватить как можно больше героев картины, самыми яркими всё равно (и очевидно) получились два персонажа — Джордж и его подруга Дот, которая позирует ему и почти безответно его любит.

Дот в исполнении Данн — простая, временами даже несколько грубоватая (но тем не менее обаятельная) женщина, которая, возможно, меньше всех подходит на роль модели. Поначалу её манеры могут даже раздражать, но под конец Дот становится очень близкой. Уже к финалу первого акта она едва заметно взрослеет, в начале второго акта из всех героев картины она, пожалуй, кажется, самой разумной. И именно после её возвращения в финале чувства дают о себе с особенной силой. Кроме того, Данн блестяще и трогательно изобразила бабушку Джорджа, Мари. Вообще, она чудесно сыграла и очень мне полюбилась.

Джордж — любимая роль Овендена, равно как и моя. Как и Сёра, он очаровательно неловок, едва ли не застенчив, на людях и уверен за работой. И это чувствуется не только по словам и движениям, но также и по голосу и глазам. Наверное, так же увлечённо, как Джордж разъясняет Жюлю прелесть разделения цветов, рассказывал о своём методе и Сёра. Номер «Color and Light» — этакое музыкальное олицетворение пуантилизма, и Джордж сам будто сияет, он раскован и разговорчив (хотя на самом деле Сёра работал совсем иначе). Необычайно красивы и «Finishing the Hat» и «Beautiful», Овенден в этих номерах очень поэтичен (правда, мне легче представить, как Сёра восторгается не красотой всего на свете, а ореолом света в сумерках, например).

Вообще, мелодичный, мягкий (или, как очень верно описали его в New York Times, бархатный) голос Овендена отлично «ложится» на сценографию мюзикла. Особенно сценографию первого акта, который наполнен приглушённым, тоже мягким, светом. А вот весь второй акт проходит практически в темноте, которую рассеивает свет совсем иной: холодный, электрический. Ощущается в нём такая лёгкая печаль — Сёра не просто умер, но, как мы узнаём, он умер очень рано, в тридцать один год, через пять лет после написания «Воскресного дня». И вот уже его дочери 98 лет, а от уютного парка почти ничего не осталось — лишь одинокое дерево да разрисованная и исписанная скамейка, а вокруг — мрачные коробки-новостройки.

Второй акт вообще очень ярко контрастирует с первым, и не только визуально. Джордж рассказывает о жизни своего предка: публика его не понимала, ни одной картины за всю свою жизнь он не продал, не всегда удавалось выставляться... Казалось бы, Жорж мог бы даже позавидовать Джорджу: вот, уже презентация седьмого Хромолюм, да и хорошие заказы предлагают. Вот только если Жорж «начинал со шляпки», то заметно измотанный Джордж знает, что нужно «начинать со спонсоров» — иначе ничего не выйдет. Все его силы уходят на поиск средств, так что на творчество уже и времени не остаётся. Картины Сёра считали чересчур научными, продуманными, однако и «творчество» Джорджа больше похоже на рецепт или пошаговую инструкцию, причём само «произведение искусства» стоит далеко не на первом месте.

По сути, «Воскресенье» вполне могло бы быть и одноактным мюзиклом. Тогда это было бы очень красивое творение, рассказывающее о создании картины и жизни её автора. Но именно со вторым актом несколько абстрактный, несмотря на реальные картины, Джордж становится Жоржем Сёра, и он становится ещё ближе. Кроме того, к финалу весь мюзикл превращается в великолепный и трогательный трибьют художнику.

Ещё одна примечательная деталь, делающая постановку Chatelet невероятно красивой — визуальные эффекты, под которыми я подразумеваю в первую очередь оформление студии Джорджа. Это очень здоровское решение, которое хочется разглядывать и разглядывать. Весь мюзикл полон картин Сёра: они в «фоне», они в студии, они даже в фантазиях Дот о карьере танцовщицы. По сути, вся вселенная первого акта «Воскресенья» — картина Сёра. Послушные желанию художника, лодки и деревья то появляются, то исчезают; герои говорят друг с другом с рисунков в студии...

Словом, это ещё одна восхитительная вещь, и мне бы хотелось, чтобы о ней узнало как можно больше людей. Пожалуй, именно «Воскресенье в парке с Джорджем» прекрасно подходит под определение «атмосферная постановка» — она действительно обладает своей удивительной атмосферой, которая надолго остаётся после просмотра.

@темы: переводы, отзыворецензии, мюзиклы, многобуквие, Жорж Сёра, posh boy, театр

14:22 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Писать особо не о чем, но забрасывать тоже дневник не хочется, потому я решила ввести тег, посвящённый петербургским спектаклям. Так как я — нищеброд, то хожу я либо бесплатно по дружбе, либо покупаю билеты в пределах тысячи рублей. Это, впрочем, нисколько не умаляет качества постановок — пока что я не разочаровалась ни в одном из них (чего не скажешь о некоторых спектаклях именитых театров). Не знаю, сколько именно петербуржцев меня читает, но, может быть, кто-то приедет к нам и захочет посмотреть что-нибудь на сцене — я буду очень рада сказать, можно ли сейчас увидеть тот или иной спектакль. Эти посты несут в первую очередь рекламный характер, потому что очень хочется, чтобы о таких хороших театрах узнало как можно больше людей.

Первым делом расскажу о спектакле «Сверчок за очагом, или Сказка о семейном счастье». Это, пожалуй, мой самый любимый спектакль. Нет, не так. «Сверчок за очагом» — МОЙ спектакль, идеальное попадание, то, что нужно. На самом деле, я поняла это в тот самый момент, когда увидела афишу и решила узнать, что же это такое. Долгожданный поход на спектакль лишь стал подтверждением того, что эту чудесную постановку я полюблю сразу и всем сердцем.

Близится годовщина свадьбы юной Мэри и добряка Джона. За окном бушует непогода, а в маленьком домике Пирибинглов тепло и уютно: Дух Колыбельки, сонно поскрипывая, убаюкивает малыша, счастливые родители тихонько шепчутся о чём-то, Дух Часов устало отсчитывает уходящие в вечность минуты, Дух Огня резвится в очаге, подогревая остывающий кофе, а за очагом поёт Сверчок — главный Хранитель этого дома. Все они ещё не знают, что им вскоре предстоит пережить...
Вместе с непогодой в городок пришла беда - местную церквушку украшают чёрными бантами, а в дом Пирибинглов стучатся непрошеные гости...


Я очень-очень хочу расписать во всех подробностях прелести «Сверчка», но моё красноречие (если оно имеется) меня вновь подводит. Это невероятно тёплый спектакль, и атмосфера у него такая же — тёплая и уютная. Потому, если удастся посмотреть его под Новый год, обязательно посмотрите, он подарит то самое волшебное чувство праздника. Этот спектакль — из тех, что заставляют смотреть второй акт с лёгкой грустью, потому что понимаешь, что пролетит час — и со всеми этими замечательными персонажами придётся расстаться.

А персонажи правда замечательные. Я абсолютно про всех готова сказать, что они прекрасные, чудесные и очаровательные (даже мистер Текльтон), не хочется кого-то выделять, потому что все они к концу спектакля обязательно займут место в сердце зрителя. После «Сверчка за очагом» очень жалеешь, что дома у тебя нет ни очага, ни такого чудесного сверчка (ни даже такого прелестного таракана), ни всех этих милых духов-хранителей. Но этот спектакль действительно согревает и дарит приятную улыбку, которая ещё долго не покидает лица.

Спектакль втягивает зрителя ещё до того, как он войдёт в зал — в гардеробе обязательно отыщите Вешалку, он чудесен. И вообще, здесь очень много отличных находок — от сценографии до изюминок духов. А уж какие костюмы... Все эти цилиндры, пальто и жилеты — то, что я люблю. Определённо, одного раза недостаточно — «Сверчка» хочется рассматривать и рассматривать, так что я обязательно вернусь в Городской театр, и не один раз.

Купить билеты (их раскупают быстро) можно на сайте театра, а в группе ВКонтакте удобно следить за новостями

@темы: многобуквие, отзыворецензии, петербургские спектакли, театр

16:36 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
Возвращаюсь к тегу “петербургские спектакли”, потому что приближается показ ещё одной постановки, которую я очень люблю — “Прощай, конферансье”. Это замечательный спектакль о труппе артистов эстрады, которые отправились на гастроли перед самым началом войны. Оторванные от дома, они дают концерты солдатам. Так как спектакль о войне, то и показывают его в Петербург-Концерте в знаменательные даты, обычно — 27 января и 22 июня. Публикую здесь свой январский (возможно, слишком эмоциональный) отзыв и очень советую сходить, если есть возможность. 22 июня, 19:00 в Доме Кочневой

Я второй раз посмотрела «Прощай, конферансье» и всё ещё не могу подобающим образом описать свои впечатления от этого потрясающего спектакля. Впрочем, к этому пора бы уже привыкнуть и перестать жаловаться — о хорошем рассказывать всегда сложно.

Признаться, мне даже было немного тяжело идти на этот спектакль, потому что я прекрасно знала, что меня ждёт. Нет, он не мрачный и даже не тяжёлый — первая часть «Конферансье» очаровательная, лёгкая и весёлая. Сам спектакль тоже лёгкий и по-хорошему простой. И вот эта самая простота в итоге и действует так, что уже в середине сидишь, пытаясь сдержать слёзы, и с долей облегчения слышишь тихие всхлипы в тёмном зале. Так показать войну, без сражений и пафосного героизма, просто и ясно, могут далеко не все.

Итак, повторюсь: я не знаю, как описать свои впечатления от спектакля. Он не тяжёлый, слово «мощный» кажется неподходящим... Сильный, пожалуй. Искренний, затрагивающий до глубины души. Так же, кстати, я могу описать и игру актёров. На поклонах хочется кричать не столько «Браво!», сколько «Спасибо!». Но я смогла лишь аплодировать и попытаться перестать плакать. Это правда было великолепно. Без преувеличения готова сказать, что после «Конферансье» испытала катарсис.

Меня очень радует, что на этом спектакле зал был полон. И, надеюсь, его покажут ещё не раз. После моих постов кое-кто, заинтересовавшись, спрашивал, когда покажут тот или иной спектакль, потому очень всем советую: накануне праздников, посвящённых Второй Мировой войне, посмотрите, не планируют ли в Петербург-Концерте показать «Прощай, конферансье». Если планируют, сходите на этот спектакль. Он замечательный. Такие спектакли, возможно, тяжело смотреть, но определённо стоит.

@темы: многобуквие, отзыворецензии, петербургские спектакли, театр

15:19 

Я ставлю перед собой великие цели. Согласитесь, красиво смотрятся. Пусть стоят
“Она любит меня” — сам по себе очень приятный и уютный мюзикл, а в недавней бродвейской постановке эту приятность и очаровательность усиливает и подчёркивает дизайн сцены. Сама сценография там уютная и очень здоровская, прекрасно подходит под атмосферу всего мюзикла. По сути, на сцене воссоздали целую городскую площадь, которая затем трансформируется в магазин, комнату и ресторан. Вот любопытное VR-видео, наглядно демонстрирующее все эти трансформации

За свой дизайн Дэвид Рокуэлл заслуженно получил Тони. Когда он переехал в Нью-Йорк, то поселился рядом с Бигелоу — старейшей действующей аптекой США. Она работает с 1838 года, а её интерьер не менялся с 1902 года. Именно Бигелоу стала источником вдохновения для Рокуэлла, когда он создавал сцену новой версии “Она любит меня”. Над декорациями и их механизмами, кстати, команда трудилась около восьми месяцев: по признанию Рокуэлла, придумать подходящую геометрию и механику, которая бы могла трансформироваться за 20 секунд, без задержек, было ужасно сложно.

Центром, основой сценографии “Она любит меня” стал парфюмерный магазин Марачека. Действие происходит в Будапеште в 1930х годах, так что магазин полон деталей ар-нуво — этот стиль как раз оказал сильное влияние на городскую архитектуру того времени (Рокуэлл, к слову, не только дизайнер сцены, но и архитектор).

Сперва зрители видят красочную площадь. Когда же продавцы приходят на работу, стены отделяются и, вращаясь, раскрывают элегантный интерьер магазина на манер шкатулки. А затем превращаются в ресторан, больничную палату или уютную комнату.

Сцена Рокуэлла играет очень большую роль в создании атмосферы мюзикла. Пастельные фасады, изящные детали и флаконы духов конфетного цвета — идеальное решение, без которого мюзикл уже сложно представить.

Команда Рокуэлла смастерила 150 флакончиков, наполнила их разноцветными жидкостями, промаркировала от руки и вставила в иллюминированные ниши. Дизайнер отыскал старинную стальную кассу, в которую положил настоящие чешские деньги. Единственное, что нельзя почувствовать — запах: сценический парфюмерный магазинчик ничем не пахнет.

“Я тут же почувствовала, будто сцена — один из персонажей, — вспоминает Джейн Краковски, игравшая Илону. — Живой, дышащий персонаж, который танцует вместе с нами”.

Рокуэлл с такой формулировкой полностью согласен: “Мы считали сцену одним из актёров. Она постоянно меняется, то открывается, то закрывается, прячется и раскрывается с определённым ритмом, будто танцует под музыку”.

+3 фото

@темы: мюзиклы, театр

All The Wasted Time

главная